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Neste primeiro ano você vai conhecer os nomes que todo mundo cita, as formas mais comuns (sinfonia, concerto, suíte, poema sinfônico) e os instrumentos da orquestra. As semanas alternam épocas e estilos de propósito: assim o ouvido aprende a comparar.
52 semanas.
Obras famosas, diretas e cheias de melodia. O objetivo é criar o hábito de ouvir uma obra inteira, do começo ao fim.
Talvez o começo mais conhecido de toda a música ocidental. Quatro notas viram uma sinfonia inteira, que sai da tensão do dó menor e chega à vitória do dó maior no final.
O motivo curto-curto-curto-longo reaparece em todos os movimentos. Repare também que o terceiro movimento passa para o quarto sem pausa.
Quatro concertos para violino que descrevem as estações: pássaros, tempestades, caçadas, gelo. Vivaldi publicou a obra acompanhada de sonetos que explicam cada cena.
Leia os sonetos enquanto ouve. No movimento lento da Primavera, as violas fazem o latido do cão do pastor que dorme.
Duas faces de Mozart: a serenata luminosa, feita para entreter, e uma das raras sinfonias dele em tom menor, inquieta do primeiro ao último compasso.
Compare o clima do começo de cada obra. Na Sinfonia nº 40, a melodia surge sobre um acompanhamento nervoso das violas.
Música feita para ser dançada, por isso as melodias são claras e as cenas, curtas. Muita gente conhece trechos destas suítes sem saber de onde vêm.
Na Dança da Fada Açucarada, o som cintilante é da celesta, instrumento que Tchaikovsky trouxe de Paris e que era novidade para o público russo.
Música escrita para uma peça de teatro de Ibsen, cheia de imagens da Noruega. Na Suíte Holberg, Grieg imita as danças antigas do tempo de Bach.
“Na gruta do rei da montanha” começa quase em silêncio e acelera até o caos. Acompanhe esse crescendo do início ao fim.
A música de baile da Viena do século XIX, que até hoje encerra o Concerto de Ano Novo da Filarmônica de Viena.
Sinta o “um-dois-três” da valsa vienense: o segundo tempo costuma chegar um pouquinho adiantado, o que dá o balanço característico.
Escrita nos Estados Unidos por um tcheco com saudade de casa. Mistura impressões da América com a música da Boêmia.
O solo de corne inglês do segundo movimento virou canção popular depois. No finale, ouça os temas dos movimentos anteriores voltando.
Saint-Saëns proibiu a publicação do Carnaval enquanto viveu, com exceção de “O Cisne”, por achá-lo uma brincadeira. Hoje é uma das portas de entrada mais divertidas para a orquestra.
Tente adivinhar cada animal antes de ler o título. Em “Fósseis”, o xilofone cita a própria Dança Macabra.
Rossini abria suas óperas com peças orquestrais tão empolgantes que elas ganharam vida própria nas salas de concerto.
Procure o “crescendo rossiniano”: uma frase curta repetida várias vezes, com cada vez mais instrumentos e mais volume.
Seis concertos, cada um com uma combinação diferente de instrumentos. São a melhor vitrine do Barroco alemão. Os outros três ficam para o Nível 2.
No nº 3 não há solista fixo: grupos de cordas conversam entre si. No nº 2, procure o trompete agudíssimo que brilha acima de todos.
Sete movimentos, um para cada planeta e o caráter que a astrologia lhe atribuía. Influenciou boa parte da música de cinema do século XX.
Compare a violência de Marte, num compasso de cinco tempos, com a calma de Vênus e a melodia larga do meio de Júpiter.
O maior compositor brasileiro uniu o espírito de Bach à música popular do Brasil. A Ária da nº 5 é uma das obras brasileiras mais gravadas no mundo.
Na nº 5, a soprano canta parte da Ária sem palavras, sobre uma orquestra só de violoncelos. No “Trenzinho do Caipira”, ouça a locomotiva partir, correr e frear.
O primeiro contato com o piano solo: três obras que todo mundo reconhece e que mostram por que Beethoven transformou o instrumento.
Ouça a sonata “Ao Luar” inteira. O famoso primeiro movimento, lento e sereno, contrasta com um finale tempestuoso.
Aprenda a reconhecer os instrumentos e o diálogo entre solista e orquestra nos concertos.
Duas obras feitas para ensinar. Britten apresenta cada família de instrumentos; Prokofiev dá um instrumento a cada personagem de uma história narrada.
Use esta semana para aprender a separar madeiras, metais, cordas e percussão. Isso vai ajudar em todo o resto do guia.
Um concerto é o diálogo entre um solista e a orquestra. O de clarinete está entre as últimas obras que Mozart concluiu.
Procure a cadência, o momento em que a orquestra para e o solista toca sozinho. O movimento lento do Concerto nº 21 ficou famoso no cinema.
Haydn escreveu mais de cem sinfonias e definiu o modelo que Mozart e Beethoven seguiriam. O concerto foi composto para um trompete com chaves, novidade na época.
No segundo movimento da Sinfonia nº 94, deixe o volume confortável e espere a “surpresa”.
Começa com acordes enormes do piano sob uma melodia arrebatadora, que curiosamente nunca mais volta. É o concerto romântico em sua forma mais grandiosa.
Repare como piano e orquestra disputam força nos movimentos rápidos e trocam delicadezas no movimento lento.
Mendelssohn escreveu a abertura do Sonho aos 17 anos. O concerto para violino está entre os mais tocados de todo o repertório.
No concerto, o violino entra logo no começo e os três movimentos se emendam. No Sonho, ouça as fadas nas cordas e o zurro do asno nos metais.
O violão tem som pequeno, e colocá-lo diante de uma orquestra é um desafio. Dois mestres resolveram isso de jeitos diferentes.
No Adagio de Aranjuez, o corne inglês apresenta a melodia que o violão depois ornamenta.
Peças curtas e íntimas, que pedem silêncio e atenção. Chopin escreveu quase só para piano e explorou o instrumento como ninguém.
Repare no rubato: o pianista “rouba” tempo de uma nota e devolve em outra, como quem fala com emoção.
Composto depois de uma depressão que deixou Rachmaninoff anos sem compor; ele o dedicou ao médico que o ajudou. É o romantismo tardio em sua forma mais generosa.
Os acordes do início imitam sinos que crescem do pianíssimo ao fortíssimo, antes de a orquestra entrar com o tema.
Cada variação é o retrato musical de um amigo do compositor. A marcha é a que se ouve em cerimônias de formatura pelo mundo.
“Nimrod”, a nona variação, cresce devagar até um clímax enorme. Tente imaginar a personalidade retratada em cada variação.
Música ao ar livre, composta para um passeio do rei da Inglaterra pelo rio Tâmisa, em 1717.
Repare nas trompas e nos trompetes naturais, sem pistões, e na sequência de danças: minueto, bourrée, hornpipe.
O último concerto para piano de Beethoven, majestoso e heroico. O apelido não é dele, mas pegou.
O piano já abre a obra com passagens livres, algo raro na época. No fim, o movimento lento emenda direto no finale.
Schubert deixou a sinfonia com só dois movimentos, e ninguém sabe ao certo por quê. O quinteto é um primeiro contato com a música de câmara.
No quarto movimento do quinteto, a canção “A Truta”, do próprio Schubert, vira tema com variações. Procure a melodia em cada uma.
Ravel foi um dos maiores mestres da orquestração. O Bolero é quase um experimento: uma melodia, um ritmo e um crescendo de quinze minutos.
No Bolero, tente identificar cada instrumento que assume a melodia, e repare na caixa clara, que toca o mesmo ritmo do começo ao fim.
Música programática: obras que descrevem paisagens, personagens e narrativas.
Mussorgsky retratou uma visita à exposição de um amigo pintor. A obra foi escrita para piano e ficou famosa na orquestração de Ravel.
A “Promenade” volta entre os quadros: é o visitante caminhando pela galeria, com humor diferente a cada vez.
Os contos das Mil e Uma Noites na orquestra. O violino solo é a voz de Sherazade, que conta histórias para salvar a própria vida.
Siga o violino solo, que reaparece no início de cada movimento. O sultão é o tema pesado dos metais logo na abertura.
Nacionalismo musical: dois compositores tchecos retratam seu rio e as danças de seu povo.
A Moldávia acompanha o rio da nascente até Praga: duas flautas são as duas nascentes; depois vêm uma caçada, um casamento camponês e as corredeiras.
Uma sinfonia de 1830 sobre um artista apaixonado: baile, cena no campo, marcha ao cadafalso e um sabá de bruxas. Ousada até hoje.
A “ideia fixa”, a melodia que representa a amada, aparece em todos os movimentos, sempre transformada. No último, vira uma caricatura grotesca.
Riacho, pássaros, festa camponesa e tempestade. Beethoven escreveu que a obra era mais expressão de sentimento do que pintura.
No fim do segundo movimento, flauta, oboé e clarinete imitam o rouxinol, a codorna e o cuco.
Em vez de melodias bem definidas, cores, reflexos e atmosferas. Debussy mudou a forma de pensar o som orquestral.
A flauta solitária que abre o Fauno é considerada por muitos o ponto de partida da música moderna.
O poema sinfônico é uma peça orquestral em um só movimento que segue uma história ou uma ideia. Aqui estão quatro exemplos bem diferentes.
No Aprendiz, o fagote é a vassoura enfeitiçada. Em Romeu e Julieta, compare o tema da briga das famílias com o tema do amor.
Richard Strauss levou o poema sinfônico ao limite. O nascer do sol que abre Zaratustra ficou célebre no cinema.
Em Till Eulenspiegel, a trompa e um clarinete agudo representam o herói travesso. Ouça o julgamento e o desfecho no final.
Balés escritos para a companhia de Diaghilev em Paris, com ritmos inquietos e cores orquestrais que ninguém tinha ouvido antes.
Na “Dança Infernal” do Pássaro de Fogo, ouça os golpes súbitos. Em Petrushka, a feira de rua soa como vários grupos tocando ao mesmo tempo.
Um dos grandes balés do século XX. A “Dança dos Cavaleiros” é um dos temas mais reconhecidos da música orquestral.
Compare a ameaça da Dança dos Cavaleiros com a ternura das cenas de Julieta.
Espaços abertos, hinos e danças de vaqueiro: Copland criou o que muita gente considera o som da música americana.
Perto do fim de Appalachian Spring aparece a melodia do hino shaker “Simple Gifts”, com variações.
A Nova York dos anos 1920 leva o jazz para a sala de concerto.
A Rhapsody começa com um clarinete que desliza até o agudo. Em Um Americano em Paris, a partitura pede buzinas de táxi.
Poemas medievais sobre sorte, primavera, taverna e amor, musicados com ritmos fortes e repetitivos. Primeiro contato do guia com coro e orquestra.
“O Fortuna” abre e fecha a obra: a roda da sorte que gira e sempre volta ao início.
Sinfonias e concertos centrais do repertório, para fechar o ano com o essencial.
Esta sinfonia mudou o tamanho e a ambição do gênero. Beethoven a dedicou a Napoleão e riscou a dedicatória quando ele se coroou imperador.
Repare na marcha fúnebre do segundo movimento e nas variações sobre um tema simples no finale.
A última sinfonia de Mozart termina com um finale em que vários temas se combinam ao mesmo tempo, num virtuosismo de composição raro.
Na parte final do último movimento, os temas soam juntos, em contraponto. Vale ouvir esse trecho mais de uma vez.
Bach em clima de dança e de cerimônia, e a obra para órgão mais famosa de todas.
A “Air” da Suíte nº 3 ficou conhecida como “Ária na corda sol”. Na Badinerie da Suíte nº 2, a flauta corre sem parar.
Brahms levou cerca de duas décadas para terminar sua primeira sinfonia, intimidado pelo exemplo de Beethoven.
No finale, uma trompa anuncia um chamado de montanha e logo surge uma melodia larga que lembra a “Ode à Alegria”.
A última sinfonia de Tchaikovsky, que morreu nove dias depois da estreia. Termina com um movimento lento e sombrio, algo raríssimo.
O terceiro movimento soa como um final triunfal, e muita plateia aplaude ali. Mas a sinfonia ainda não acabou.
Mahler dizia que a sinfonia deve abraçar o mundo. Na primeira cabem natureza, canções, uma marcha fúnebre irônica e um final de vitória.
O terceiro movimento transforma “Frère Jacques”, o nosso “Frei João”, numa marcha fúnebre em tom menor.
O único concerto de Sibelius, que na juventude sonhava ser violinista. Paisagens geladas e muito virtuosismo.
O violino entra sobre um tremor suave das cordas, como névoa. O finale tem um ritmo pesado de dança.
Wagner chamou esta sinfonia de “apoteose da dança”. É o Beethoven construído a partir do ritmo.
O Allegretto repete o mesmo padrão rítmico do começo ao fim enquanto as melodias se acumulam por cima.
Para muitos violoncelistas, o maior concerto já escrito para o instrumento.
Há uma longa introdução orquestral antes do solista. Repare no solo de trompa que apresenta o segundo tema.
Escrito pouco antes de Chopin deixar a Polônia para sempre. A orquestra é a moldura; o piano é quem canta.
O movimento lento, “Romanze”, foi descrito por Chopin como uma lembrança de momentos felizes.
Um passeio pela música barroca italiana e alemã. Curiosidade: o famoso “Adagio de Albinoni” foi quase todo composto no século XX pelo musicólogo Remo Giazotto.
No Cânone, o baixo repete as mesmas oito notas do começo ao fim, enquanto os violinos se imitam por cima.
Escrita depois de uma crítica do regime soviético que podia custar a vida do compositor. O sucesso da estreia foi enorme, e o sentido da obra é debatido até hoje.
Ouça o final e decida: vitória sincera ou alegria imposta? Essa pergunta divide músicos e críticos.
A sinfonia que termina com coro e solistas cantando a “Ode à Alegria” de Schiller. Beethoven a compôs já completamente surdo. Um fim de ano à altura.
O finale começa relembrando os temas dos três movimentos anteriores e “recusando” cada um, até chegar à melodia da alegria.
Quando terminar, siga para Nível 2 — Ampliando o repertório. Os títulos das obras levam à Wikipedia, e o nome de cada compositor leva à sua biografia. Algumas páginas da Wikipedia estão disponíveis apenas em inglês.