Início / O guia / Ampliando o repertório
Aqui o ouvido já reconhece a orquestra e as formas básicas. O segundo ano aprofunda os grandes compositores, apresenta a música de câmara (quartetos, trios, quintetos) e abre espaço para obras mais longas e para o repertório brasileiro e latino-americano.
52 semanas.
Haydn, Mozart, Beethoven e Schubert além dos sucessos, com a primeira música de câmara.
O nº 20 é tempestuoso, quase beethoveniano; o nº 23 é luminoso, com um movimento lento de rara melancolia. Juntos mostram o alcance de Mozart.
Compare os movimentos lentos: o Adagio do nº 23 está em fá sustenido menor, tonalidade que Mozart quase nunca usou.
Dois violinos, viola e violoncelo: a formação mais nobre da música de câmara, que Haydn praticamente inventou.
No segundo movimento do “Imperador”, a melodia (hoje hino da Alemanha) passa por cada um dos quatro instrumentos.
Beethoven ainda perto de Haydn e Mozart, mas já cheio de surpresas. A nº 2 foi escrita no mesmo ano em que ele confessou, numa carta, o desespero com a surdez.
A nº 1 começa “fora do tom”, com um acorde que pede resolução. Nada de abertura tranquila.
Schumann descobriu o manuscrito anos depois da morte de Schubert e elogiou suas “divinas longitudes”. É longa, mas nunca para de cantar.
A introdução começa com duas trompas sozinhas. Esse tema volta transformado no fim do primeiro movimento.
Concertos com dois solistas em diálogo, um gênero muito apreciado em Paris e Mannheim no tempo de Mozart.
Na Sinfonia Concertante, violino e viola terminam as frases um do outro, como numa conversa.
Começa com cinco batidas do tímpano, um gesto discreto que vira o motor de todo o primeiro movimento.
Acompanhe as cinco notas do tímpano: elas reaparecem nas cordas, nas madeiras e até sob o solo do violino.
Schubert escreveu mais de 600 canções (Lieder) para voz e piano. É no Lied que ele é mais pessoal.
Em “Erlkönig”, um só cantor faz quatro personagens: narrador, pai, filho e o Rei dos Elfos. O piano é o cavalo a galope.
Lembranças de duas viagens do jovem Mendelssohn: a névoa da Escócia e o sol da Itália.
O finale da “Italiana” é um saltarello, dança napolitana veloz em ritmo de três.
O concerto foi escrito pensando em Clara Schumann, sua esposa e grande pianista. As Cenas Infantis são lembranças da infância vistas por um adulto.
“Träumerei” (Devaneio), a sétima das Cenas Infantis, é uma das peças para piano mais famosas do Romantismo.
Ficam entre gigantes (a 3ª e a 5ª, a 7ª e a 9ª) e por isso são menos ouvidas. São cheias de energia e humor.
O segundo movimento da 8ª tem um tique-taque constante nas madeiras, talvez uma brincadeira com o metrônomo, inventado naquela época.
As Baladas são narrativas sem palavras, de grande fôlego, entre o lírico e o dramático. A Polonaise celebra a Polônia natal.
Na Balada nº 1, o tema principal volta várias vezes, cada vez mais intenso, até uma coda vertiginosa.
Escritas para plateias londrinas que lotavam os concertos. Haydn sabia agradar sem perder a inteligência.
Na “Militar”, ouça a percussão “turca” (triângulo, pratos, bumbo) e o toque de clarim no segundo movimento.
Treze instrumentos de sopro e um contrabaixo. Música de entretenimento com uma profundidade que surpreende.
No Adagio (terceiro movimento), sobre um acompanhamento pulsante, oboé, clarinete e corne di bassetto trocam uma melodia.
Concertos e sinfonias do século XIX, das escolas alemã, russa, tcheca e francesa.
Escrito para o amigo e violinista Joseph Joachim. É sinfônico, exigente e generoso.
O movimento lento começa com um longo solo de oboé. O violino só entra depois, retomando a melodia.
O concerto foi considerado “intocável” por um violinista famoso da época e hoje é um dos favoritos do público. A Serenata é uma homenagem a Mozart.
A segunda parte da Serenata é uma valsa elegante, das mais belas de Tchaikovsky.
Liszt foi o primeiro “astro” do piano e criou o recital solo como conhecemos. Seus concertos encadeiam os movimentos num fluxo contínuo.
No Concerto nº 1, o triângulo ganha destaque no Scherzo, o que rendeu ao concerto o apelido de “concerto do triângulo”.
Uma das sinfonias mais rigorosas e comoventes do século XIX. O finale é uma passacaglia, forma barroca de variações sobre um baixo.
No último movimento, um tema de oito compassos é repetido com trinta variações diferentes. Tente seguir o tema.
A sinfonia celebra a região do rio Reno; o Carnaval é um baile de máscaras em vinte pequenas peças para piano.
O quarto movimento da “Renana” evoca a catedral de Colônia, com trombones solenes.
A 8ª é a mais ensolarada das sinfonias de Dvořák, cheia de cantos de pássaros e danças da Boêmia.
O finale começa com uma fanfarra de trompete. Um regente disse que, na Boêmia, trompetes não convocam para a guerra, mas para o baile.
Um dos concertos românticos mais populares, com sabor de música folclórica norueguesa.
O concerto começa com um rufar de tímpano e uma cascata de acordes do piano, um dos inícios mais famosos do repertório.
Bruckner era organista e pensava a orquestra como um grande órgão. Sua música pede paciência e recompensa com grandiosidade.
A sinfonia começa com um chamado de trompa sobre um tremolo das cordas, como o amanhecer numa floresta.
A sinfonia é uma das poucas em que o órgão tem papel central. O concerto é curto, compacto e muito virtuosístico.
No início do finale da sinfonia, o órgão entra com um acorde enorme. Ouça com bom volume.
Tchaikovsky explicou numa carta que a fanfarra de abertura representa o destino que impede a felicidade.
No terceiro movimento, as cordas tocam o tempo todo em pizzicato, beliscando as cordas sem arco, enquanto madeiras e metais respondem.
A escola russa do século XIX buscou uma música nacional, inspirada no folclore e no imaginário oriental.
Nas Estepes, uma melodia russa e uma melodia oriental surgem separadas e depois soam juntas, como duas caravanas que se cruzam.
Franck construía obras inteiras a partir de poucos temas que voltam em todos os movimentos, a chamada forma cíclica.
Na Sonata, o último movimento é um cânone: violino e piano tocam a mesma melodia, um seguindo o outro.
Bizet escreveu a sinfonia aos 17 anos e ela ficou esquecida até 1935. As suítes vêm da música para uma peça de teatro.
Na Farândola da Suíte nº 2, duas melodias, uma marcha e uma dança, terminam sobrepostas.
Mahler, Debussy, Ravel, Rachmaninoff e o nacionalismo: o mundo de 1890 a 1940.
Começa com uma marcha fúnebre e termina em celebração. O Adagietto, só para cordas e harpa, é tido como uma carta de amor para Alma, sua esposa.
O primeiro som é um solo de trompete sozinho, como um toque militar. Depois, o Adagietto (quarto movimento) muda completamente o clima.
Debussy reinventou o piano como fonte de cor e ressonância. Cada prelúdio tem o título escrito no fim, para não influenciar o ouvinte.
Ouça cada prelúdio antes de ler o título e veja se a imagem coincide. “A Catedral Submersa” é o mais famoso.
A maior obra orquestral de Ravel, que ele chamou de “sinfonia coreográfica”. Há um coro que canta sem palavras.
O “Nascer do Dia” (início da terceira parte) é uma das páginas orquestrais mais luminosas já escritas: ouça os riachos nas madeiras.
Duas obras da maturidade, escritas no exílio. As Danças Sinfônicas foram a última composição dele.
A famosa 18ª variação da Rapsódia é o tema de Paganini virado de cabeça para baixo e tocado lentamente.
Escrito logo após a Primeira Guerra, o concerto tem o tom de despedida de um mundo que acabou.
O violoncelo abre a obra sozinho, com acordes firmes, como uma declaração.
Sibelius construía sinfonias a partir de pequenos fragmentos que vão se juntando até formar um todo grandioso.
No Cisne de Tuonela, o corne inglês é o cisne que desliza sobre o rio do mundo dos mortos.
Um dia inteiro de escalada nos Alpes, da noite à noite: cachoeira, geleira, cume, tempestade. Uma orquestra gigante, com máquina de vento e de trovão.
Acompanhe a sequência de títulos dos 22 trechos. O “Nascer do sol” surge após a noite inicial, com toda a orquestra.
Vaughan Williams buscou na música antiga e no folclore inglês um som próprio, contemplativo e amplo.
Em The Lark Ascending, o violino solo imita o voo da cotovia subindo até desaparecer no agudo.
O maior compositor espanhol do século XX transformou o flamenco e as danças andaluzas em música de concerto.
Na “Dança do Moleiro” (farruca), o corne inglês e as cordas imitam o canto e os golpes de pé do flamenco.
Três momentos da música de concerto brasileira: a ópera romântica de Carlos Gomes, o nacionalismo pioneiro de Nepomuceno e a força modernista de Villa-Lobos.
A Série Brasileira termina com o “Batuque”, em que a orquestra imita os tambores. No Choros nº 10, o coro canta sílabas que soam como percussão.
Respighi, aluno de Rimsky-Korsakov, pintou Roma com uma orquestra brilhante.
Em “Os Pinheiros do Janículo”, a partitura pede uma gravação real do canto de um rouxinol.
Considerado um dos concertos mais difíceis do repertório, mas começa com uma melodia simples, quase uma canção litúrgica.
Repare no contraste entre a melodia simples do início e a densidade do piano na cadência do primeiro movimento.
Gershwin respondeu a quem duvidava dele com um concerto em forma clássica. Bernstein levou a Broadway para a orquestra.
Nas Danças Sinfônicas, procure o “Mambo!” gritado pelos músicos e a melodia de “Somewhere”.
Stravinsky, Bartók, Shostakovich, a América Latina e grandes obras de câmara.
A estreia em 1913, em Paris, terminou em tumulto na plateia. Ritmos irregulares e dissonâncias que mudaram o século XX.
O início é um fagote tocando no extremo agudo, quase irreconhecível. Depois, na “Dança dos Adolescentes”, conte os acentos imprevisíveis.
Escrito no exílio americano, já doente, é um “concerto” em que cada naipe da orquestra brilha como solista.
No segundo movimento, os sopros entram aos pares (fagotes, oboés, clarinetes, flautas, trompetes), cada par em um intervalo diferente.
A “Clássica” imagina como Haydn escreveria no século XX. O Concerto nº 3 é percussivo, irônico e lírico ao mesmo tempo.
A Gavotte da sinfonia, de um minuto e meio, é um bom exemplo de humor musical: tudo parece no lugar, mas as harmonias escapam.
Dois retratos opostos: o concerto para violoncelo, escrito para Rostropovich, é áspero e obsessivo; o de piano, escrito para o filho, é alegre e terno.
O movimento lento do Concerto para piano nº 2 é de uma simplicidade comovente, quase uma canção.
O Adagio é das obras mais tocadas em momentos de luto. Ives, um pioneiro solitário, propõe uma “pergunta” que nunca recebe resposta.
Em The Unanswered Question, as cordas tocam ao fundo, o trompete faz a pergunta e as flautas tentam responder, cada vez mais agitadas.
Piano, violino e violoncelo em pé de igualdade. Foi uma das últimas vezes em que Beethoven, quase surdo, tocou em público.
O movimento lento é um tema com variações de uma serenidade rara. Ouça como ele se emenda no finale.
Escrito dois meses antes da morte de Schubert, aos 31 anos. Com dois violoncelos, a sonoridade fica mais escura e cheia.
No Adagio, os três instrumentos do meio cantam a melodia enquanto o primeiro violino e o segundo violoncelo comentam em gotas.
Brahms tinha decidido parar de compor, até ouvir o clarinetista Richard Mühlfeld. Este quinteto é obra de outono, nostálgica e calorosa.
No movimento lento, o clarinete improvisa ornamentos que lembram a música cigana húngara.
O “Americano” foi escrito em poucos dias, durante férias numa comunidade tcheca de Iowa. O Quinteto é um dos pilares do gênero.
No terceiro movimento do “Americano”, o violino imita o canto de um pássaro que Dvořák ouviu por lá.
Um concerto com o brilho do jazz e a clareza de Mozart. O Túmulo homenageia a música francesa antiga e amigos mortos na guerra.
O Adagio do concerto começa com o piano sozinho, numa melodia longa que parece não ter fim.
Argentina e México em festa. O Danzón nº 2 virou hino informal das orquestras jovens latino-americanas. Piazzolla responde a Vivaldi em ritmo de tango.
No “Malambo” que fecha Estancia, o ritmo dos gaúchos argentinos acelera até explodir.
A Sinfonia Simples usa temas que Britten escreveu na infância. Os Interlúdios pintam o mar do Norte em suas várias horas.
Na Sinfonia Simples, o segundo movimento, “Playful Pizzicato”, é tocado inteiro com as cordas beliscadas.
Da marcha fúnebre inicial ao coro final sobre a ressurreição, uma das experiências mais arrebatadoras da música sinfônica.
No finale, o coro entra quase sussurrando, sentado, depois de um longo silêncio. Reserve um momento sem interrupções para esta semana.
Quando terminar, siga para Nível 3 — Escuta aprofundada. Os títulos das obras levam à Wikipedia, e o nome de cada compositor leva à sua biografia. Algumas páginas da Wikipedia estão disponíveis apenas em inglês.