Início / O guia / Escuta aprofundada
O terceiro ano pede mais concentração e oferece mais em troca. Começa antes de Bach, passa pelas obras tardias de Beethoven e Schubert, pelo Romantismo em seu limite e chega à música do século XX e de hoje. Se uma obra resistir na primeira audição, volte a ela no fim da semana: é assim que estas peças se revelam.
52 semanas.
Canto gregoriano, polifonia renascentista e o Barroco instrumental em profundidade.
A música ocidental escrita começa aqui: melodias monofônicas da liturgia cristã e a obra de Hildegard de Bingen, abadessa, mística e uma das primeiras compositoras com nome conhecido.
Repare que não há harmonia nem pulsação regular: a música segue o ritmo das palavras em latim.
Várias vozes independentes que se entrelaçam: a polifonia. Diz a tradição que a Missa de Palestrina mostrou à Igreja que a música complexa podia deixar o texto inteligível.
No Miserere, um coro distante repete um trecho que sobe até um dó agudíssimo. Mozart, aos 14 anos, teria transcrito a obra de memória.
A Inglaterra elisabetana, de Shakespeare, teve uma música refinada e melancólica, para o teclado, o alaúde e a voz.
“Flow my tears” virou a peça mais famosa de sua época; Dowland chegou a assinar cartas como “Jo. Dolandi de Lachrimae”.
Corelli criou o modelo do concerto grosso: um pequeno grupo de solistas contra a orquestra de cordas. Handel e Bach aprenderam com ele.
Alterne a atenção entre o concertino (dois violinos e violoncelo) e o tutti. É essa oposição que dá vida à forma.
Uma ária e trinta variações sobre a mesma linha de baixo. Uma catedral construída com lógica e imaginação inesgotáveis.
A cada três variações há um cânone, com o intervalo entre as vozes aumentando. No fim, a ária inicial volta, igual, mas soa diferente.
Ficaram quase esquecidas até o violoncelista catalão Pablo Casals gravá-las nos anos 1930. Um único instrumento sugere melodia, baixo e harmonia.
Cada suíte começa com um prelúdio livre e segue com danças barrocas: allemande, courante, sarabande, minueto ou bourrée, e giga.
A Chacona, que encerra a Partita nº 2, dura cerca de quinze minutos e é considerada um dos maiores feitos da música para violino.
Na Chacona, um esquema harmônico de quatro compassos se repete mais de sessenta vezes, sempre de um jeito novo.
Prelúdios e fugas em todas as tonalidades maiores e menores. Gerações de pianistas aprenderam música com estas peças.
Numa fuga, o tema entra sozinho e depois cada nova voz o repete em outra altura. Conte as entradas.
Doze concertos escritos em cerca de um mês, em 1739. Handel parte do modelo de Corelli e o enche de teatralidade.
Compare com Corelli (semana 4): Handel varia mais o caráter dos movimentos e inclui fugas e danças.
Na corte francesa, a música era dança, ornamento e cor. Rameau foi também o grande teórico da harmonia.
Repare nos ornamentos rápidos do cravo francês: trinados e apojaturas fazem parte da melodia, não são enfeite opcional.
Scarlatti escreveu 555 sonatas curtas, muitas delas em Portugal e na Espanha. Guitarras, castanholas e danças ibéricas soam no cravo.
Procure os saltos de mão cruzada e as notas repetidas que imitam o violão espanhol.
Esta coleção de 1711 espalhou o estilo de Vivaldi pela Europa. Bach transcreveu vários destes concertos para órgão e cravo.
O Concerto nº 10, para quatro violinos, foi transcrito por Bach para quatro cravos. Vale comparar as duas versões.
A Oferenda nasceu de um tema proposto pelo rei Frederico, o Grande. A Arte da Fuga ficou inacabada: o último contraponto para de repente.
Na fuga final da Arte da Fuga, Bach introduz um tema com as notas de seu nome (B-A-C-H, na notação alemã). Pouco depois, a música se interrompe.
Quintetos de Mozart, as últimas sonatas e quartetos de Beethoven e o Schubert final.
A primeira é uma mensagem ao príncipe que mantinha os músicos longe das famílias; a segunda é a última sinfonia de Haydn.
No final da “Adeus”, os músicos param de tocar um a um, até restarem dois violinos. Em execuções ao vivo, eles saem do palco.
Com duas violas, Mozart ganhou espaço para um diálogo mais rico. São das obras mais profundas de toda a sua produção.
O K. 516 está em sol menor, a tonalidade da Sinfonia nº 40, e compartilha a mesma inquietação.
O nº 24 é o mais trágico dos concertos de Mozart, com uma orquestra cheia de sopros. O nº 27 é o último, sereno e despojado.
O finale do nº 24 é um tema com variações em tom menor que nunca encontra a luz do maior.
Mozart dedicou seis quartetos a Haydn, seu mestre e amigo. Haydn disse ao pai de Mozart que o filho era o maior compositor que conhecia.
A introdução lenta do “Dissonância” tem choques harmônicos que confundiram os editores da época.
Duas sonatas da fase heroica, em que o piano parece querer ser uma orquestra.
A “Waldstein” começa com acordes repetidos em pianíssimo, pulsando, sem melodia. Note como isso cria tensão.
Escritas quase de uma vez, em 1820–1822. Beethoven, surdo, olha para a fuga barroca e para a variação e chega a uma música de outro mundo.
A op. 111 tem só dois movimentos. O segundo, a Arietta, termina num trinado longo que parece suspender o tempo.
A maior e mais difícil sonata de Beethoven. Ele teria dito que ela daria trabalho aos pianistas por cinquenta anos.
O Adagio é um dos movimentos lentos mais longos de toda a literatura para piano. A fuga final é áspera, monumental.
Sete movimentos tocados sem interrupção. Schubert teria pedido para ouvi-lo pouco antes de morrer.
O início é uma fuga lenta e triste. Acompanhe como cada movimento nasce do anterior, sem pausa.
O op. 132 tem no centro um “canto de agradecimento” de Beethoven depois de se recuperar de uma doença. A Grande Fuga é tão radical que parece música do século XX.
No movimento central do op. 132, alternam-se um coral lento e um trecho que Beethoven marcou como “sentindo nova força”.
Um editor pediu a vários compositores uma variação sobre uma valsinha banal. Beethoven respondeu com 33, explorando tudo o que o tema podia ser.
Ouça a valsa original primeiro, com atenção. A variação 22 cita, com humor, uma ária do Don Giovanni de Mozart.
Escrita semanas antes da morte. Uma música vasta, lírica, em que o tempo parece se dilatar.
Logo no começo, um trinado grave e misterioso interrompe a melodia serena. Ele volta várias vezes, como uma sombra.
Vinte e quatro canções sobre um viajante rejeitado que caminha na neve. Um dos ciclos mais desoladores e belos da música.
Leia a tradução dos poemas enquanto ouve. Na última canção, “O tocador de realejo”, o piano repete o mesmo zumbido do começo ao fim.
O segundo movimento são variações sobre uma canção do próprio Schubert, em que a Morte fala com uma jovem. O quarteto inteiro é dominado por esse diálogo.
O finale é uma tarantela frenética, uma dança da morte que não para.
Brahms, Wagner, Bruckner, Mahler e Strauss: o século XIX levado ao extremo.
Começou como uma sinfonia e virou um concerto tempestuoso, escrito por um Brahms de 25 anos abalado pela tragédia do amigo Robert Schumann.
O piano entra de forma discreta, quase introspectiva, depois de uma introdução orquestral feroz.
A segunda é a sinfonia mais ensolarada de Brahms. As Variações mostram seu domínio da forma.
O primeiro movimento da sinfonia nasce de um motivo de três notas nos violoncelos e contrabaixos. Ele está em toda parte.
A Sonata é um só movimento de meia hora, construída a partir de poucos temas transformados. Os Anos de Peregrinação são um diário de viagem.
Nas Jeux d'eaux, as cascatas de notas antecipam o impressionismo de Debussy e Ravel.
Uma primeira aproximação de Wagner pela orquestra. O acorde que abre Tristão é considerado o ponto de partida da harmonia moderna.
No Prelúdio de Tristão, a tensão harmônica quase nunca se resolve: a música vive de desejo e espera.
Bruckner escrevia o Adagio quando soube da morte de Wagner, a quem admirava. O movimento termina com um lamento das tubas wagnerianas.
A sinfonia começa com uma melodia longuíssima dos violoncelos sobre um tremolo, que Bruckner disse ter ouvido em sonho.
Bruckner a dedicou “ao bom Deus” e morreu antes de terminar o finale. Os três movimentos completos formam um todo grandioso.
O Scherzo martela um ritmo obsessivo, quase mecânico. O Adagio final termina em paz, depois de um clímax dissonante.
Muitos a consideram a maior sinfonia do século XX. É uma longa despedida da vida.
O último movimento vai se rarefazendo até quase o silêncio. Ouça até o fim, sem pressa.
Uma sinfonia de canções sobre poemas chineses antigos, para tenor e contralto (ou barítono). Mahler evitou chamá-la de 9ª por superstição.
A última canção, “A Despedida”, dura quase meia hora e termina repetindo a palavra “ewig” (eternamente).
Um tema sombrio, o “destino”, atravessa os quatro movimentos da sinfonia e termina transformado em marcha triunfal.
No segundo movimento, um solo de trompa de rara beleza. Depois, ouça o tema do destino interrompê-lo.
Scriabin associava sons a cores e sonhava com uma arte total. Sua harmonia flutua, sem chão.
No Poema do Êxtase, o trompete repete um chamado que cresce até o clímax final, com toda a orquestra e órgão.
Vinte e quatro miniaturas, uma em cada tonalidade, como Bach no Cravo Bem Temperado. Algumas duram menos de um minuto.
O finale da Sonata nº 2 é um minuto e pouco de notas rápidas em uníssono, sem melodia: “o vento sobre os túmulos”, segundo uma descrição famosa.
A mais leve das sinfonias de Mahler termina com uma soprano cantando a visão infantil do céu.
No segundo movimento, o spalla toca um violino afinado um tom acima, para soar como um rabequeiro sinistro.
Escritas no fim da Segunda Guerra e logo depois dela, por um compositor de mais de 80 anos que viu sua cultura em ruínas.
Em “Ao Pôr do Sol”, a última das canções, duas flautas imitam cotovias que sobem no céu do entardecer.
Do impressionismo ao minimalismo: a música dos séculos XX e XXI.
Jeux foi ofuscado pela Sagração da Primavera, estreada semanas depois, mas é uma das partituras mais inovadoras do século XX.
Em Jeux, os motivos mudam sem parar, sem temas que se repitam de forma reconhecível. Deixe-se levar pelas cores.
La Valse é a valsa vienense que se desintegra, como o mundo antes de 1914. O concerto foi escrito para um pianista que perdeu o braço direito na guerra.
Ouça o concerto sem olhar: é difícil acreditar que é uma só mão.
A Noite Transfigurada ainda é romântica. O concerto de Berg usa o sistema de doze sons, mas é profundamente lírico.
No fim do concerto de Berg, aparece o coral de Bach “Es ist genug” (Basta), entrelaçado com a série de doze notas.
Depois da Sagração, Stravinsky voltou-se para o passado. Pulcinella reinventa música do século XVIII; a Sinfonia dos Salmos é austera, sem violinos nem violas.
Na Sinfonia dos Salmos, o segundo movimento é uma fuga dupla: uma para os sopros, outra para o coro.
Bartók construiu formas rigorosas, às vezes simétricas como espelhos, com uma energia ligada ao folclore da Europa central.
O terceiro movimento da Música para cordas é uma “música noturna”: xilofone, glissandos de tímpano, sussurros. Bartók no seu mais misterioso.
O Quarteto nº 8 é um réquiem pessoal, cheio de citações das próprias obras. A 10ª foi estreada meses depois da morte de Stalin.
Nas duas obras aparece o motivo D-S-C-H (ré, mi bemol, dó, si): as iniciais do compositor em notação alemã.
Obras de 1942–1944. Prokofiev descreveu a 5ª como uma sinfonia sobre a grandeza do espírito humano.
O último movimento da Sonata nº 7, Precipitato, martela um ritmo em sete tempos do começo ao fim.
Composto e estreado num campo de prisioneiros de guerra, em 1941, para os instrumentos que havia por lá: clarinete, violino, violoncelo e piano.
O terceiro movimento, “Abismo dos pássaros”, é só para clarinete, com notas que nascem do silêncio e crescem.
Villa-Lobos maduro e a geração que veio depois dele, que fez da música brasileira uma linguagem de concerto sofisticada.
No “Prelúdio” da Bachianas nº 4, procure a influência de Bach; no “Miudinho” final, o ritmo de dança brasileira.
Britten era pacifista. O concerto foi escrito sob o impacto da Guerra Civil Espanhola; a Sinfonia da Requiem, em memória dos pais.
O concerto começa com um ritmo de tímpano que se repete, um aviso suave antes da tempestade.
Ives sobrepõe bandas, hinos e marchas como lembranças que se misturam. A 3ª de Copland incorpora a Fanfarra para o Homem Comum ao finale.
Em “Putnam's Camp”, duas bandas tocam em tempos diferentes ao mesmo tempo, como numa parada real.
No fim do século XX, alguns compositores do Leste Europeu buscaram uma música despojada, quase litúrgica.
Pärt chama seu estilo de tintinnabuli: uma voz move-se em passos, a outra toca só as notas de um acorde, como sinos.
Uma hora de pulsação contínua, em que padrões se transformam aos poucos. Um encerramento para mostrar que a música clássica continua viva.
Não procure melodias: perceba como as mudanças lentas transformam a textura e o tempo parece desaparecer.
Quando terminar, siga para Trilha das Vozes — Coral e Ópera. Os títulos das obras levam à Wikipedia, e o nome de cada compositor leva à sua biografia. Algumas páginas da Wikipedia estão disponíveis apenas em inglês.